Take Shelter

"Take shelter" (2011) Jeff Nichols - EEUU

No tenía ni idea de qué significaba take shelter. Fui al diccionario y significa "resguardarse"



Venía de "Mud", última película de Jeff Nichols al escribir estas líneas, y siendo "Take shelter" la que le confirmó en el estrellato, no la veo en el nivel de "Mud". Es buena, "Mud" aún mejor.

Desde luego que es un guion interesante, similar a algunos de M. Night Shyamalan. Hasta su forma de contar tiene alguna similitud, aunque M. Night suele ser más tahúr de carta marcada.

Película lenta, para mí con tres partes, siendo la del centro la que más me desesperó. Narra bien los sentimientos que se generan, pero podía haber sido más breve, quizas 10 minutos menos.

¿De qué trata "Take Shelter"? Pues si hago caso de lo que dice su director, también guionista, trata sobre la esclavitud económica de nuestros días, trata sobre la apocalipsis financiera que se nos viene encima cual tornado.

¿Y va de lo que dice? Pues si, y no. Cierto es que la metáfora está ahí, pero en atención al desarrollo del argumento, el tratamiento introspectivo de la locura, la ansiedad que genera la angustia de no saber dónde está tu mente y dónde se encuentra la realidad ofrece en mi forma de verla una visión real, aterradoramente real y aterradoramente inevitable si te ves envuelto en ello. Me causaría desasosiego, como poco. No sé si sería tan valiente, no sé si sería tan hermético, creo que no sería tan egoísta, compartiría mucho antes, quizas no por compartir en sí sino por otro tipo de egoísmo, de aquel que pide antes ayuda para encontrarse a sí mismo.

Al terminar de verla yo no habría alcanzado la metáfora propuesta por Nichols, me hubiera quedado en lo que os escribo. Para gustos, colores; para capacidades, la que cada uno buenamente pueda.

El final de la película dará satisfacción a cualquiera. Es un director inteligente, no te guia, te describe sin manipular, ya será cada espectador quien conforme su historia. Muestra, de forma completa, para que cada uno entienda según su estado de ánimo, según su sensibilidad o según nuestras propias preocupaciones.

¿Qué veremos en "Take Shelter"?

Apocalipsis. En "Take shelter" todo son tornados, mentales y reales.


Relación de pareja que muestra acomodamiento, egoísmo, hermetismo, intimidad, falta de confianza, inseguridad, comprensión, paciencia, amor, religión, verguenza, temor, obsesión, individualidad, miedo, desesperación, incomprensión, soledad, frustración, decisión, determinación, voluntad, responsabilidad, valentía, comportamiento errático, abstracción, preocupación. No es poco.

Narra el puente que conecta obsesión con realidad, el que une premonición con locura, el que funde decisión con incomprensión.

Problemas económicos. Ya no tanto por la opresión del día a día, sino por la imposibilidad de salir del reducido espacio en el que te ves obligado a vivir, en el que cualquier alteración supondrá mayor peaje en términos de esclavitud.

Un hacer dictatorial, dominante, unilateral, sometiendo todo y a todos a una voluntad, modificando actos después de, creciendo como ser humano no sin antes arrastrar al "Mud" (barro en inglés) lo que te rodea. Quedémonos con el dicho más vale tarde que nunca, que es bien cierto.

Temores genéticos, frustraciones de nuestro pasado, cargas de nuestra infancia.

Funcionamiento del sistema sanitario de EEUU. Al tipo tanto tienes, tanto te doy. Real y conocido. Que ocurre en EEUU y aún mucho peor en muchas otras partes de nuestro mundo.
Los actores, Michael Shannon ("Man of steel") y Jessica Chastain ("El árbol de la vida", "La noche más oscura") están enormes, los dos. Hay más actuaciones, pero la cinta es acaparada, bien acaparada por ellos dos.

Jeff Nichols sitúa las acciones en territorios poco frecuentados por el cine USA, alejado de los New York, L.A., Chicago, San Francisco, Washington...

Su banda sonora queda firmada por David Wingo, coautor también de "Prince Avalanche", otra buena película con buena banda sonora.

"Take shelter" podría también llevar nuestra mente al recuerdo de películas como "Inocencia interrumpida", "Las horas", "El club de la lucha". A mí, si me ha llevado.

No es cine de palomitas. Es muy buen cine. Adulto y para adultos. Para reflexionar después de ver. Me quedo con un buen recuerdo. De aconsejable visión para quien guste de historias con materia, bien expuestas, bien contadas e infrecuentes.

The hunger games: catching fire

"Los juegos del hambre: En llamas" (2013) Francis Lawrence - EEUU



Buena película. Buen blockbuster. No al nivel de la puntuación que recibe.

Por el momento la suerte sí está de su parte.

Para quien lo desconozca, un blockbuster en cine es una producción dirigida a maximizar recaudación en un mercado masivo. 

A la primera, "The hunger games" le daba un 6; a esta le doy un 6.5 y sentía predisposición por un 8 antes de verla. En IMDB la pasan del 8, una aberración, y en filmaffinity la ponen en torno al 7.5, excesivo. Para mí, todo lo que pasa del 6 es digno de ser visto. La subjetividad de cada uno de nosotros se encarga del resto.

La trilogía de Nolan sobre Batman es superior, más seria, de mayor desarrollo. Quizás Nolan no sea tan masivo en sus guiones, pero lo suple con el minutaje destinado a las tomas de acción y así crea un blockbuster que nos deja a todos más contentos, más universal, más masivo, mejor. A recordar que Nolan, aparte de su excelsa trilogía, tiene en su haber, "Origen" y "Memento", casi nada.

Contar con Jennifer Lawrence en cartel hoy por hoy es garantía.

Bastantes secundarios hacen crecer a sus personajes más allá de los minutos que disponen.

El mentor Woody Harrelson, Elizabeth Banks en su rol de asesora de imagen, y que cuenta con una escena muy visual, de una urna para una extracción, muy conseguida. Una Willow Shields que como hermana de Katnnis, Primrose Everdeen, aprovecha cada minuto, cada escena, cada suspiro en que aparece. Su madre deja que desear.

Los otros dos lados del triángulo Katnnis, Peeta Mellark (Josh Hutcherson) y Gale Hawthorne (Liam Hemsworth) sirven para cerrar uno escaleno, en el que el mayor ángulo es propiedad indiscutible de Jennifer. Sus ojos, sus miradas, sus muecas, su gesticulación,... la convierten por talento y exhibición en una de las mejores actrices jóvenes del momento.

Stanley Tucci está bien, fácil para él.

Me sorprende Jena Malone, muy bien con muy poco, muy trabajado, da personalidad a su personaje.

Donald Sutherland cumple, aunque a su presidente Snow lo dotaría de una maldad menos distante, menos displicente, más temerosa, más insegura, más autoritaria, más cobarde, más cuestionada, de mayor preocupación palaciega. Más humano, más próximo, y en mi gusto, más real. John Malkowich también lo haría bien.

Lenny Kravitz tiene la suerte de encarnar un personaje que debe un mucho a los encargados del vestuario, pero que él realza, dándole serenidad, credibilidad, compromiso y racionalidad. Muy bien para su poco tiempo de pantalla.

Aparece un nuevo director de escena, Plutarch (Phillip Seymour Hoffman), que a diferencia del libro, no da ninguna pista, sólo una frase de intriga en el corto diálogo que mantiene con Katniss. El público que no ha leído la obra no puede intuir lo que más adelante sucederá y que explicaría parte de lo que ocurrirá durante el transcurso de los 75º juegos del hambre.

Hoffman encarna un personaje dotado de tanto poder en la sombra que merecía mayor desarrollo, más explicado. Su acceso al Capitolio al menos; dejemos en intriga su origen, su motivación,... En "In time" nos muestran cómo se cambia de zona en dos minutos de cinta, aquí bien podrían haberle dedicado también ese par a Plutarch en detrimento de algún castigo de plaza mayor, que no aporta nada que no sepamos.

Deberíamos haber sabido más sobre cómo los participantes se toman la buena nueva de los 75º juegos del hambre, sobre cómo la censura se diluye, sobre cómo la represión se ve desbordada, cómo prende la llama del descontento, cómo se gesta una revuelta que germinó en su primera entrega.

Mientras estaba en la proyección, en un momento de la acción del último tercio  una flecha al aire me transportó de "Battle royale" a "El show de Truman" y Truman me complació infinitamente más, más creíble, más cruel, más injusta, más revolucionaria, más preocupante, más indignante, más posibilista, más terrible, más plena de contenido, más digna de puntuar con un 7.5; que las notas sirven para catalogar, para diferenciar, para informar.


"Los juegos del hambre: en llamas", secuela que avanza en el camino que nos llevará a un desenlace que no requiere dotes de adivinación. A un desenlace que debería sentir con el crescendo de "V for vendetta", y que siento en recuerdo de "V", esa serie de reptiles alienígenas que colonizaban nuestro planeta y sus movimientos de insurrección, que siento al uso de "Total recall", la de 1990. Lástima. Me esperaba más.

Bien filmada, con un plano de apertura que me ha encantado, con buenas escenas de acción, con cuidado vestuario, peinados, ambientación, siguiendo las pautas de su predecesora, que no es tan inferior a esta, ni mucho menos.

Con un cierre de pantalla a cargo de Coldplay que suena a Coldplay, que no ofrece nada nuevo, agradable de escuchar un par de veces, pero distante del himno que solicita lo que se adivina continuará. Alejados por ejemplo del "Love song for a vampire" de Annie Lennox para "Bram Stoker's Dracula". El talento de Coldplay nos debía haber dado más. La película, también.


Buena película, no es obra de arte, pero hace pasar un buen rato. Me debería haber despertado alguna neurona, más ahora que nuestra sociedad parece agitada. Me hubiera gustado que fuera más cercana a "Fahrenheit 451", a "V for vendetta", a "The wall", a "The East",...

Lovelace

Lovelace (2013) Rob Epstein & Jeffrey Friedman - EEUU

No hace mucho que vi el documental "Leviathan". En el blog también tenéis su crítica.

¿Qué tiene que ver con "Lovelace"?

Pues la doble casualidad de estar firmada por dos directores y ser mala con ambición.

Estoy de tan mal humor que solo me he preocupado en "colgar" su cartel publicitario.

En el terreno de la opinión, "Lovelace", aparte de una historia mal contada, vacía y anodina, destaca por desmerecer la carrera de una actriz que me gusta, Amanda Seyfried.

Se salvan ambientación e interpretaciones. La de Amanda, la de Sharon Stone, la de Chris Noth, la de Wes Bentley en una escena que me recordó "American beauty", y unos cuantos más, que por lo bien que lo hacen consiguen engañarte, al uso de "persiste, que algo bueno quedará"

No estoy dispuesto a criticar actores cuando no lo merecen, es más, actuan bien, demasiado bien para lo poco que les dan Epstein y Friedman.

James Franco merece mención aparte, en su papel de editor de la revista Play Boy, con una interpretación floja y próxima a su rol en "Spring breakers". Qué diferencia con los cambios de registro de McConnaughey entre "Mud" y "Magic Mike".

Volvamos a "Lovelace".

¿Guion????,  ¿De verdad tenían un guion????     ¿Dónde lo olvidaron? 

Ellos sabrán. Habrá que preguntarles.

La ambientación es correcta, hasta parece buena, lo que suele ocurrir cuando de una película no sacas nada positivo. Piensas en plan egoísta y te dices, ¿con qué me quedo?, ¿qué me llevo?, antes de reconocer que has vuelto a malgastar tiempo. En mi caso, he tirado 1 hora, 32 minutos, 47 segundos. Si, señores, si, he tirado 1 horaza y media, con un par, como aquel al que le sobra todo.

Si acudimos a películas cuya trama se sustente en los entresijos de la industría porno, tenemos "Boggie nights" (1997), o la más reciente "Middle men" (2009). La primera es buen cine con un reparto extraordinario y un Burt Reynolds magistral, en tanto que la segunda tiene todo lo que le falta a "Lovelace", cuenta bien una historia, nos aporta enseñanza, en su caso la de como adaptarse a las nuevas tecnologías, y algunas de sus posibles consecuencias. 

Me gustaría contaros más pero es que los que han hecho la pelicula no me dejan. De repente te dicen "... y pasaron 6 años", "...y pasaron 6 meses", de tanto que han pasado Rob y Jeffrey que nada nos han dejado. Se quedan en lo visual sin atender al contenido. Mal hecho.

Os puedo decir que Linda Lovelace alcanzó fama por la película pornográfica "Garganta profunda" (1972) que con un presupuesto de $47.000,00€ recaudó $600MM y ella, la de profunda garganta, se llevó $1.250,00. No le hizo falta un profundo bolsillo.

La cinta no desarrolla, no explica el por qué de sus carencias, de los traumas familiares, de sus noches de desenfreno y perversión, del alcohol y las drogas, del proxenetismo, de las deudas, de la sumisión, de la falta de autoestima, del rechazo social pese al éxito,... porque no nos lo saben contar, sólo lo muestran, sin contenido, plano e impersonal.

¿Hay algo más personal que una biografía?

Linda Susan Boreman se merecía una biografía de verdad. La agitada e infrecuente vida de Linda lo vale. Nadie merece un bodrio. 

¿"Lovelace"? No. "¿Qué he hecho yo para merecer esto?" por respeto a Linda y Amanda.

Montajes de Cine (05)

Tinker, tailor, soldier, spy - La mer - Julio Iglesias
Meet Joe Black - What a wonderful world - Chris Boardman
The Artist - Jungle Bar - Ludovic Bource




Casino - The thrill is gone - B.B.King
The jungle book - The bare necessities - Louis Armstrong
Taxi Driver - Taxi driver theme - Bernard Hermann
Gattaca - Becoming Jerome - Michael Nyman




Casablanca - As time goes by - Jimmy Durante + dialog
Love Actually - Here with me - Dido
V for vendetta - Bird Gerhl - Antony & The Jhonsons




Il buono, il brutto, il cattivo - L'estasi dell'oro - Ennio Morricone & YoYo Ma
Ratatouille - Le festin - Michael Giacchino and Camille 
The Bourne identity - Extreme ways - Moby

Montajes de Cine (04)

"This is it" (Earth song) acompañado del directo en Munich del "History World tour" de 1997.

Michael no requiere palabras, todo lo expresa él.

Uno de los grandes genios del pop.

Unos cuantos que preparen un pañuelo, o dos.

Montajes de Cine (03)

El cine es una experiencia visual en la que la música puede alcanzar un protagonismo impensable.

Cuando empecé a distraerme con el montaje; a aprender en plan asilvestrado, entorno que aún habito, el cropping, homogeneizar video, sincronizar audio, conversiones, codecs,... fue la música la que me lo inspiró.

En este montaje aparecen los carteles de las películas, creo que 56, que contienen los fragmentos musicales que decidí elegir.

Resulta absurdo decir que es una muestra, que son granos de arena en una playa inacabable, pero que por decir no quede.

Es gratificante escuchar por ejemplo el "Moon river" de "Breakfast at Tiffany's" en su ritmo Cha Cha, de la misma forma que "London" en "Blood diamond" eleva la emoción que de por sí ya sentíamos, y así tantas y tantas.

A lo largo de los montajes que espero seguir publicando, podréis escuchar cada una de ellas, en un desfile de gala de los Morricone, Barry, Nyman, Zimmer, Mancini, Vangelis, Rota, Moroder,..., sin olvidar a los Bowie, B.B. King, Pink Floyd, Louis Armstrong, Moby, Mercury, Jackson,...

En fin, un placer tan inmenso poder ver de lo que es capaz la genialidad de todos ellos que sólo cabe rendir pleitesía al arte, al arte de ellos, y de muchos más.

En este montaje, las canciones no forman parte de ninguna película, o al menos, que esté en mi conocimiento.

Al aparecer los carteles de todas las que elegí, no quise emplear música relacionada con el cine y recurrí a "Crime" de Carlos Jean y Najwa Nimri -NajwaJean-, "Dilemma" de Nelly con Kelly Rowland y "I'd lie" de Taylor Swift.

Y tirando de tópico, ¡Que bonito es el CINE!

Montajes de Cine (02)

Sigamos con el experimento. Que a nadie le sorprenda el inicio del clip, al tratarse de fragmentos de una cinta de mayor duración, arranca en el final de la canción anterior.

Estoy en plena fase de pruebas de streaming ya que desde Youtube, Dailymotion, Vimeo,.. hay problemas con los copyrights.

Las plataformas no distinguen lo que es estudio, de lo que se considera violación de derechos digitales.

En éste podremos escuchar a Pink Floyd con su "The wall Part 2" y película homónima de Alan Parker. Leonard Cohen con "Everybody knows" en "Exotica" de Atom Egoyan, y a Boy George  con "The crying game" en la obra de Neil Jordan.

Para "The wall", me he centrado en la niñez de Pink. La disciplina a la que es sometido, a como se coarta su intimidad, con un profesor que lee su poema en alto para avergonzarlo ante el resto, poema que forma parte de la letra de la canción "Money", del disco "The dark side of the Moon".

Pink anhela el pensamiento que esta humillación provoca y que desemboca en una rebelión ante el sistema establecido. Sueño en vigilia que persigue la justicia que le olvida, liderar el cambio. Un cambio en el que nadie quiere dar el primer paso, en el que nadie quiere quedar identificado, el que todos aguardan escondidos, agazapados y a la espera de un movimiento gregario, colectivo, anodino, anónimo. Pink se convierte en su líder, el que les construye el puente que une miedo y acción, el que lleva a la revolución. Permite el paso a sentimientos dispares que fluyen como río al desbordar.

La letra, en una traducción libre, dice: "No necesitamos educación. No necesitamos control mental. Nada de oscuro sarcasmo en clase. ¡Profesores! ¡Dejad solos a los alumnos! ¡Eh! ¡Profesores!, ¡dejadlos solos! Todo ello no es más que otro ladrillo en el muro. Con todo, no eres más que otro ladrillo en el muro...."

Buena película, de incómoda digestión, en la que es aconsejable estar documentado antes de verla para poder disfrutarla como Roger Waters merece, como nos merecemos.

De una revuelta, pasamos al ritmo pausado de Leonard Cohen con su "Everybody knows" sonando en el local donde trabaja la bella Christina (Mia Kirshner).

En "Exotica", Atom Egoyan crea una película redonda, que vas saboreando para alcanzar un clímax en el que todo guarda lógica, en el que todo queda enlazado, explicado, bien resuelto y al que la letra de la canción aporta mayor sentido.

Película de bandera canadiense, que cuenta sucesos que acontecen en Canadá, al abrigo de la canción de su emblemático poeta.

Me gustó mucho. Me sorprendió su pausado acontecer. Todas las actuaciones me resultaron convincentes. De original guion, estructurado, pensado y bien expuesto en imágenes.

Terminamos con Boy George, su "The crying game" e Irlanda de fondo en una película de Neil Jordan.

La vi en su estreno, y me llevé la sorpresa del rosco de Reyes, entera y verdadera, lo mismo que le pasó a Stephen Rea.

Neil Jordan es un director que me gusta, suele hablar de su país, de hecho "The crying game" tiene muchas similitudes con "Desayuno en Plutón".

La película tiene partes diferenciadas, siempre con inquietud política, de denuncia, de desagrado sobre parte de lo que le rodea, sobre algo que cree no se merece la sociedad, sobre peajes que no tenemos por qué pagar cuando no transitamos autopista, pero que nos cobran como cánones impositivos.

No cabe duda del espíritu autocrítico de Neil Jordan, renuncia a tópicos y lo describe de forma dura, sin contemplación, en la que la inercia de lo absurdo cobra velocidad.

Los personajes desarrollan un guion que los tiene encadenados, en un estilo Shakesperiano.

En fin, 3 películas bien distintas dignas de ser vistas.

Una que requiere mentalizarse antes de verse, otra que sorprenderá por un puzle que sólo se deja ver en la última pieza, y una que hace uso de lo infrecuente para narrar crónica de vida, crónica de una lucha en su parte más absurda, más egoísta y más sectaria.

Montajes de Cine (01)

Estoy experimentando con la subida de video y audio al blog. Me ha costado un montón, pero al final me ha funcionado con una conexión a internet que es una castaña. Todos los que habitéis zonas civilizadas pienso que lo podréis ver sin problema. La pantalla es reducida por temas de peso de los archivos, deberé trabajar más en lo que concierne a la compresión de video y las limitaciones de blogger. 

Hace algún tiempo me dediqué a montar escenas y bandas sonoras de distintas películas.

He decidido iniciar un hilo subiendo las tres primeras canciones que corresponden a "Drive", "Desperado", "Malditos bastardos" y "El beso de la pantera", remake de "La mujer pantera" de 1942 y que a muchos os sonará si la llamamos por su nombre original, "Cat people"

Si todo sale como espero podréis verlo. Vuestros comentarios sobre velocidad, cortes o interrupciones, calidad de la imagen, del sonido,... me ayudarán a saber qué tal corre el invento, cambiarlo o seguir con ello.

En el caso de "Drive", el montaje queda acompañado de la canción "A real hero" de College & Electric youth. Que nadie se preocupe, que aún tratándose de un montaje no va a suponer spoiler, hará más bien de trailer con ausencia de diálogos, sostenido sólo por música.

En "Drive" veremos planos excelentes. Una escena 
dentro del coche a plena luz del día en la que se observa como la industria del cine rectifica la filmación en estudio. Mirad como los tres indicadores de temperatura, aceite,... del interior del coche destellean bajo la luz del sol, y permanecen inmóviles pese a la velocidad de la marcha. Este efecto lo podemos hacer en casa con ayuda de software de bajo presupuesto, 60.00€-90.00€, que no todo lo bueno es caro.

Una toma preciosa de como dos personas se dan la mano, en silencio, sin pedir, sólo sintiendo y expresando físicamente el deseo, de forma límpia, compenetrada, de ganas de vivir junto a otro... 

La luz del sol sobre un canal que representa el anhelo por una nueva vida, por algo puro, algo feliz, posible y efímero en ocasiones.

Hay otra escena que aprovecha con genialidad el simple cerrar automático de la puerta de un ascesor. En mi gusto, poético y sublime.

También, al final, hay la escena de un beso rodada de forma magistral, potente y elegante, dando la espalda, como aquel que exige intimidad.

"Drive" está llena de grandes escenas. Como buen cine, hace adecuado uso de los silencios, cede al espectador el contenido que trasladan las imágenes. Valiente y bien actuada.

Y de repente, vemos aparecer el rostro de Buscemi, como pisa un cigarrillo y da pie al inicio de "Desperado", a Dire Straits y a su "Six blade knife"

Robert Rodríguez consiguió una buena segunda parte para "El mariachi", con un Banderas que hoy parece otro, con una Salma Hayek a la que hasta el esternón le baila al andar, fruto de la gravedad que soportan sus pechos. En "Desperado" hay también multiplicidad de escenas y fotografías dignas de ser recordadas. He seleccionado las que me gustan y las que me encajan para confeccionar el puzzle que supone un montaje.

Aquellos que la hayan visto y piensen que determinadas tomas son distintas, que no lo crean, están en razón, ya que corté multiplicidad de veces para conseguir las que deseaba obtener para el trailer. Por ejemplo cuando Joaquim de Almeida apaga un puro sobre un cenicero con forma de guitarra, en la película la acción transcurre para agarrar el auricular de un teléfono.

También nos podemos dar cuenta de que las chaquetas de Banderas en "Desperado", y de Gosling en "Drive" llevan el mismo símbolo a la espalda, el primero en negro, el segundo en beige.

La crítica no pone bien a "Desperado" y os digo que paséis de la crítica, que quienes no la hayan visto se preparen a disfrutar del muy buen hacer de Robert Rodríguez, sin mayor pretensión que una historia de acción y venganza muy, pero que muy bien hecha. Gran cine, grandes imágenes, grandes planos y excelente fotografía.

Y como si de un clímax se tratara, de la oscuridad de "Desperado" nos asomamos a la maestría de otro genio aún más grande, el de Quentin Tarantino y su "Malditos bastardos".

Últimamente he hablado con bastante gente que prefiere su endeble western "Django desencadenado". No puedo estar en mayor desacuerdo.

Malditos bastardos cuenta también la historia de una venganza, de una venganza alimentada, paciente, premeditada y valiente.

Como siempre suele hacer Tarantino, nos vuelve a regalar otra pieza maestra, en este caso David Bowie con su "Cat people" contando con Giorgio Moroder a la producción.

Hay tantas escenas memorables en "Malditos bastardos" que es imposible comentarlas en el blog porque es sinónimo de contar la película, os diré que veo el arte de los inimitables en Tarantino, la escena al principio del trailer de puerta abierta al campo, con el coronel Hans Landa viendo como corre Shosanna me recuerda el cuadro de Dalí "Gala mirando por la ventana". Cuando aúna una colilla en el aire, levitando, ingrávida, con su humo pegado a ella y la letra de la canción que dice... "and I've been putting out fire with gasoline, putting out fire with gasoline..." me adentra en un mar poético que tiene apropiado tratamiento fílmico en su desenlace.

Como en una impactante escena aglutina el rojo, genialidad acorde con el talento de Quentin, fundiendo el rojo sangre que adorna las esvásticas con el vestido rojo de Shosanna, de sus uñas, de su carmín de labios, del red wine y por si teníamos poco color nos la sitúa frente a un espejo para deleitarnos con anverso y reverso que tiñe aún con más rojo la pantalla. ¡Que aprovechamiento del color! Tan acertado como desmedido.

Y como eso del ebrio que siempre dice "ésta es la... la... la penúltima", lo enlazo con otra película, menor, "El beso de la pantera", que también contó en su banda sonora con "Cat people" y de la que recupero algún plano artístico, aprovechando el rugir de la pantera y mostrándo la belleza de Nastassja Kinski, su mirada, sus labios, su fotogenia.

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Espero os distraiga.

Prince Avalanche

Prince Avalanche (2013) David Gordon Green (EEUU)

Estoy en fase de experimentación multimedia en el blog.

De salida diré que he conseguido verlo con el Chrome y con el IE. Veremos si funciona para el resto.

Experimenta que experimentarás, os dejo un par de escenas trabajadas, bien actuadas, en las que el director sabe qué quiere con unas piezas instrumentales que encajan a la perfección.

Las dos me han gustado mucho. De hecho, la película me ha gustado, aunque en este caso, las opiniones serán diversas con razón. El cine también es entretenimiento, y como con la comida, nos puede gustar, pero no todo. En el cine, igual que en el comer.

A ver si consigo unas horas libres y escribo lo que pienso de "Prince Avalanche".

Espero que os gusten tanto como a mí.










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Mud

"Mud" (2012) Jeff Nichols - EEUU


De nuevo una buena película.

Jeff Nichols se pilla los bártulos y ¿a dónde va? ¡Pues claro que si!, va caminito Sundance después de pasear por Cannes con el laurel en la mano.

Al final me tragaré todo lo que pase por las salas de Park city.

Tal y como va el tema, no es que sean buenas películas, que lo son; sino que aquellos que no disponen de ellas, deben evitar a toda costa acudir a Sundance para no quedar en evidencia.

En Park city, Utah, preparan su Sundance Stadium para los Bubka, los Coe&Cram de "Great court run", los Zátopek, Sotomayor..., lo preparan para colosos del séptimo arte. Si algún día me lo puedo permitir, que no lo creo, iré.

¿De qué va "Mud"?

De muchas cosas. Todas distintas, todas unidas, enlazadas, bien expuestas.

Tiene similitudes , de fondo y forma, con "The kings of summer", que también acudió a Sundance y si, si, otra que también es buena. También las tiene con "Un mundo perfecto" de Eastwood, a su altura.

Lo menos importante es su eje central.

Lo más gratificante es ver, de nuevo, buenos actores, bien dirigidos, que tienen quien les deja exhibir talento, el que tienen, el suyo.

Poco precio por la entrada del cine. Dinero aprovechado.

No había visto nada de este director y buscando por lo virtual, veo que tiene dos películas, "Take shelter" del 2011, que conocía y que aún no he visto, y "Shotgun stories" del 2007 de la que nada sabía.

Después de lo bien que me lo he pasado, las veré, más pronto que tarde. Ya contaré.

Volvamos a "Mud". "Mud" tiene amistad, "Mud" tiene vida cotidiana, "Mud" es el despertar a la adolescencia, martillazo va, martillazo viene. "Mud" es lealtad. "Mud" es expiación. "Mud" es real, el eje central es papel que envuelve un buen regalo .

Todos sus personajes tienen parcela, cada uno cultiva algo distinto, pero todos cultivan, tienen vida y nos dejan ver su intimidad, sin exhibicionismo.

Al igual que en "Kings of summer", "Mud" trae Mark Twain de vuelta al XXI.

McConnaughey está impresionante, aunque enseñe otra vez más sus tabletas. Es un buen actor. Me gusta. De él he visto este último año "Magic Mike", "The Lincoln lawyer", "El chico del periódico" y "Killer Joe". No falla en ninguna. Me gustaron todas. La que menos, "Magic Mike", pero él lo hace genial, sólo verle actuar merece la pena. De esas que deben verse en v.o. para darte cuenta lo bien que actúa. Recomendable que quien pueda se vea en una tarde "Magic Mike" y "Mud" en v.o. No quedaréis defraudados, todo lo contrario.

Pero hay más actores.

Tye Sheridan, en su rol de adolescente, de madurez anticipada porque no hay tiempo de juegos, lo hace al mismo nivel. Le han dado recientemente premio en Venecia a mejor intérprete joven por "Joe", en la última de Nicolas Cage, que también promete y que también lleva esa etiqueta que pone "independiente", una marca en alza. Con lo joven que es Tye, si sigue a este ritmo, estamos frente una estrella. Tiene todo tipo de escenas, de esas que requieren de buenos actores para dar a guion y director el arte que pretenden captar en imágen y sonido. Y Tye lo da, y tanto que lo da.


Sam Shepard -actor, director, dramaturgo-, padre adoptivo de Mud, convierte su secundario rol en un personaje que esperas. Que esperas, y que encuentras. Muy bien también.

Los padres de Tye, Ray McKinnon y Sarah Paulson tienen escenas muy buenas, que te atrapan en la realidad.

Jacob Lolfland, inseparable camarada de Tye también cumple con su cometido, otorgando personalidad a su personaje. No es poco con la calidad global de todos en conjunto.

Incluso el papel menor de "May Pearl" se convierte indispensable.

Reese Whiterspoon es la más floja, acomodada en lo que su guion dispone, sin arriesgar, tirando de oficio y sin dotar su personaje de la fuerza que podría haber dado.

"El río arrastra mucha basura. Hay que saber con qué merece la pena quedarse y con qué no"

Buen cine. Aconsejaría que la vieran niños de 14 años. Así ha sido clasificada en EEUU -13 años-. Mensaje bien trasladado. Bien filmada. Buena fotografía. Se deja ver a cualquier hora del día y recuerda, cuando la empieces no la soltarás.

The East

"The East" (2013) Zal Batmanglij - EEUU


"Por favor dame fuerzas para hacerlo bien, para no ser arrogante, pero tampoco débil. Amén"

Hay ocasiones en que los guiones exponen un ideario, difícil de plasmar en el tiempo que dura una película, pero con potencia para despertar neuronas, que cada uno le dé las vueltas que le apetezca.

"The East" lo consigue. Estamos frente a un movimiento 15M dotado de acción, más o menos lo que ya llevan a cabo The pirate bay, Anonymous, los graffitis de Bansky, ArsenioLupinComics,...

De nuevo se estrena en el festival de Sundance. Al paso que va Redford, los Oscar van a terminar resultando una antigualla dedicada al cine de blockbuster.

Los Scott, Ridley y Tony están en la producción. Me sorprenden las fechas ya que Tony se suicidó el 19 de agosto del 2012. El suicidio tiene por probable causa el padecimiento de un tumor cerebral maligno. Me merece respeto e interés un cine que tenga por productor alguien con el talento y buen hacer de Ridley, "Prometheus" incluida.

Como todo en la vida, "The East" es  criticable por la exposición del conjunto, por la endeble formación de personajes, por la simplicidad de sus denuncias, y  su contraste con redes de espionaje privado, de empleados que acceden al trabajo como los de "Gattaca", sin muestras de sangre pero con gorilas a ambos lados del torno de acceso.


El mismo fondo lo encontramos expresado con concreción, de ámbito más delimitado, más acomodado y menos expansivo en multitud de películas como "The International - dinero en la sombra" con Clive Owen y Naomi Watts, "Erin Brokovich" con Julia Roberts, "Acción civil" con Travolta, "A propósito de Henry" con Harrison Ford, "Silkwood" con Streep, "Batalla en Seattle" con Charlize Theron,... aunque en clara distinción y contraste, "The East" se encuentra más próxima a "V for Vendetta", y si estás dispuesto a dejarte llevar, lo está también del ideario revolucionario propuesto en "The wall" de Pink Floyd, y si alguien tiene ganas de realidad incómoda y próxima, que se mire el documental "Inside job", sin desperdicio, preocupante y desolador, que seguro provocará un sentir de formar parte del cambio, de lo que sabemos que no está bien, de tomar parte activa.


"Sabes lo de que no se subsana un error cometiendo otro. Lo diría alguien que no sufrió por culpa de errores"

Las actuaciones quedan eclipsadas por Brit Marling; es posible que el hecho de ser co-guionista, junto con Batmanglij, le haya facilitado adoptar su rol y dotar su personaje de credibilidad y potencia. El resto de actuaciones son comparsas, correctas, sin más que cumplir la planificación cinematográfica diseñada por el guion. Me gusta el personaje pausado, liberal, de libre albedrío que encarna Alexander Skarsgard. Ellen Page me gustó en "Juno" y en "Super", en ésta, sin estar mal, la veo como en "Origen", es decir, con clara posibilidad de hacerlo bastante mejor y cediendo su protagonismo al resto, algo falla en su actuación para que me transmita lo que debe.

Hay buenas escenas, me quedo con la forma de filmar y trasladar pasión en un beso, o con el plano que exhibe la necesidad de dormir alejado de tu pareja, víctima de un renacido espíritu vital, de buena fotografía; o una cena sorprendente, de iniciación sectaria, de educación visual que si bien nos puede parecer estrafalaria, la entiendo potente para expresar algo en imágenes de tiempo finito.

La música que la acompaña no desmerece.

Los diálogos son sencillos,  imprescindible para conseguir conciencia en el mayor abanico posible de espectadores. Lo veo más una voluntad que incapacidad.

Denuncia como paso previo de acción, como justificación de acción, legitimándola de forma discutible, autoritaria, peligrosa y necesaria en un contexto de cambio, de revolución. Con el añadido del síndrome de Estocolmo,  de la inteligencia que permite descubrir más allá de lo vivido, tratado de forma simple y superficial, pero posible. Negarnos la evolución es negarnos vida, y la película también nos describe hechos que deben ser entendidos como evolución más que como mera rebeldía.

En resumen, película agradable, que si quieres te dará un marco donde dibujar tu propio ideario, en la que nuestra mente tendrá su libre camino para pasear sin las cercas que nos direccionan nuestro día a día. De mensaje optimista para muchos, preocupante para muy pocos.

"No tenemos esa lista, pero si la tuviéramos, tú y yo querríamos hacer cosas distintas con ella"

The conjuring (The Warren files)

Expediente Warren: The conjuring (2013) James Wan (EEUU)

"El miedo se define como una sensación de inquietud y ansiedad provocada por la existencia o inminencia de un peligro. Ya sea un fantasma, un espíritu o un ente, todos se alimentan de él"

James Wan es un director malayo que ha alcanzado merecida fama en el género del terror con su ópera prima Saw. Dentro de sus proyectos futuros cuenta con la nueva secuela de Fast & Furious (7) y dentro de sus hits recientes, "Insidious".

El género de terror no se encuentra entre mis preferencias; no obstante, críticas que leí de "Expediente Warren" han provocado curiosidad suficiente como para haberla visto.

Me ha gustado. Me parece una película bien realizada, cuidada, que cuenta con un ritmo agradable, en la que la forma de exhibir el terror es creíble aunque me costaría mucho vivir en ese tipo de casas, esas que siempre aparecen en este tipo de películas.

Siempre he pensado que el cine de terror bueno debe ser aquel que te cause mayor terror cuando sales del cine, que te haga pensar que es posible, cercano, próximo, del que no estás libre ni te sientes ajeno. Expediente Warren tiene un bastante de todo ello, dejemos en un aparte la forma de exhibirlo en imágenes. En ocasiones pienso que no se requiere ni imagen para sentir la proximidad del miedo.



Me han gustado todos los actores. Las hijas, 5, del matrimonio; el matrimonio de demonólogos, representados por una excelente Vera Farmiga y un sereno Patrick Wilson y Lili Taylor como madre de la prole. El rol del padre es menor dentro del contexto general, aunque también está bien, así como el resto de secundarios.

No me parece que se encuentre al nivel de "El exorcista", que marcó un antes y un después en el cine de terror, pero estamos frente a un alumno aventajado. Así, de este tipo, me viene a la memoria, "El rito", de mala crítica y que aparte de bien actuada, a mí si me gustó. 

"The conjuring" también contiene algún deja vu de "Poltergeist", la primera, obviemos sus secuelas para no desmerecer la inicial que también supuso un giro en el cine de terror que exploraba lo paranormal.

Por fin, cuando alguien se levanta de la cama, va al baño, a la cocina y escucha un ruido, se dedica a ir abriendo tadas las luces que encuentra a su paso. Kubrick nos trasladó el terror de Stephen King en "El resplandor" a toda luz; Cathy Bates nos hizo experimentar el desasosiego y la desesperación de James Caan en "Misery", en la que tampoco faltaba la iluminación, y James Wan tampoco hace uso inadecuado de las situaciones para trasladar intranquilidad. Hay escenas enriquecedoras, por ejemplo cuando los Warren deben conseguir las pruebas para que la Iglesia Católica autorice el exorcismo y las muestran al sacerdote.

Sería interesante contar con la opinión de un teólogo, a la vez que me pregunto por qué el bien y el mal se relacionan, al menos en el cine que he visto, con el catolicismo. Entiendo que algo tan profundo como el bien y el mal no lleva por distinción la religión sea cual sea su corriente.

Buena película. No defraudará. Bien actuada. Bien filmada.